BUDDY MILES - 1947-2008 (QEPD)

Miles George Allen, Jr (5 de septiembre de 1947 - 26 de febrero de 2008), conocido como Buddy Miles, fue un baterista norteamericano de rock y funk, más conocido como miembro de Band of Gypsys de Jimi Hendrix desde 1969 hasta la muerte de Hendrix en 1970.

Infancia
George “Buddy” Miles nació en Omaha, Nebraska el 5 de septiembre de 1947. Él era conocido como un niño prodigio, inicialmente tocando la batería de su padre, George Miles, The Bebops, a partir de los 12 años. Miles (padre) se había desempeñado en el bajo vertical con Duke Ellington, Count Basie, Charlie Parker y Dexter Gordon. A Miles le dio el apodo de “Buddy” su tía por el baterista Buddy Rich.

Principio de su carrera
Miles se desempeño en una variedad de actos de R&B y soul en su adolescencia, incluyendo Ruby & the Romantics, The Ink Spots, The Delfonics y Wilson Pickett. En 1967 se trasladó a Chicago, donde formó The Electric Flag con el guitarrista Mike Bloomfield. La banda de blues, soul y rock hizo su debut en vivo en el Monterey Pop Festival en 1967 y lanzaron su álbum debut, “A Long Time Comin'”, el siguiente año. Miles a veces hacia la primera voz del grupo, además de tocar los tambores. El grupo se disolvió después de "Electric Flag: An American Music Band", su segundo disco y Miles formó Buddy Miles Express.

Jimi Hendrix
Después de Electric Flag, Miles comenzó a envolverse con el legendario Jimi Hendrix. Miles se había reunido anteriormente con Jimi Hendrix en un momento en que ambos estaban actuando como sidemen para otros artistas en los inicios de los años 60. La reunión había tenido lugar en Canadá en 1964, en un show en que ambos participaban.
Miles dice de su primera reunión con Hendrix: “Él estaba tocando en la banda de Isley Brothers y yo estaba en Ruby and the Romantics... [Jimi] tenía su cabello con una cola de caballo y unas largas patillas. Aunque se veía tímido, podría decir que este chico era diferente”.
Este era el prefacio de una amistad que más tarde daría lugar a variadas colaboraciones entre los dos artistas. En 1967, Hendrix y Miles “jamearon” en la casa de Stephen Stills en Malibu, y tocaron juntos de nuevo en diversas ocasiones, tanto en Los Ángeles como en Nueva York en 1968. Hendrix ocasionalmente se unió a Electric Flag en el escenario. Poco después, Jimi Hendrix comenzó a abrir su estilo de grabación para incluir artistas invitados. Y de esta manera es que, como era de esperar, Buddy Miles fue invitado a participar. Miles tomo parte en las sesiones de grabación de “Electric Ladyland”, tocando en las canciones “Rainy Day, Dream Away” y “Still Raining, Still Dreaming”.
En 1969, Hendrix estaba extremadamente ocupado, pero de alguna manera encontró tiempo para producir los dos primeros discos publicados por la banda de Buddy Miles, Buddy Miles Express; “Expressway To Your Skull” y “Electric Church”. Era evidente la curiosidad pública en cuanto a si el nombre de la banda Buddy Miles Express, era influenciado por la Jimi Hendrix Experience.
Poco después de la edición del innovativo álbum “Electric Ladyland”, Noel Redding (bajista original de la Experience) y Mitch Mitchell (baterista de la Experience) habían partido la empresa con Hendrix, y con constantes discusiones entre el manager de Hendrix (Michael Jeffery) y su productor (Alan Douglas), quienes rivalizaban por el control de su carrera. Todos querían un pedazo del éxito de Hendrix.
Como Buddy Miles explicó: “Jimi no era feliz. Se sentía impotente. No podía hacer lo que él quería hacer”.
La solución que Hendrix encontró al problema fue fundar una banda de corta vida llamada Band of Gypsys, y Miles salto a unirse a él.
Una de las características notables para su público en ese momento era el hecho de que todos los integrantes eran negros. Esta fue la primera vez para Hendrix como una estrella internacional, a pesar de que había, por supuesto, tocado con Isley Brothers en sus comienzos, y esta elección reflejaba un movimiento hacia reconectarse con sus raíces. También tuvo el efecto de re-asociar el rock con sus raíces afro-americanas. “Live at the Fillmore East” se registro el Año Nuevo 1969/70. Fue posiblemente la más fascinante grabación de Hendrix y Miles. La banda estaba asentada en la ciudad de Nueva York, donde Hendrix gasto la mayoría de su tiempo. Hendrix, que se había enredado en litigios legales relativos a los contratos que había firmado antes de su reconocimiento internacional, fue obligado a editar una grabación para la etiqueta Capitol Records como parte del acuerdo en el tribunal. Este hecho llevó a la grabación en vivo de su colaboración con Buddy Miles y Billy Cox.
Sin embargo, durante un seguimiento de sus conciertos un mes más tarde, Hendrix tuvo un pequeño problema relacionado con drogas en el escenario, que también se ha especulado que ha sido un acto de sabotaje por parte de su frustrado manager Michael Jeffrey, que no estaba de acuerdo en que Band of Gypsys fueran todos negros y en las fuertes raíces R&B. Miles dijo sobre el incidente años más tarde: “Jeffrey deslizo dos medias tabletas de ácido en el escenario que pasó con bebidas. Le dije a Jeffrey que era un completo idiota. Una de las mayores razones por las que Jimi está muerto es ese tipo”.
Miles y Jeffrey ya tenían una relación tensa, y Jeffrey se sentía incómodo con la estrecha amistad entre Hendrix y Miles. Después de la actuación en el Madison Square Garden en enero de 1970, Jeffrey despidió a Buddy Miles y The Band of Gypsys no fue más.
Miles siguió trabajando con Hendrix durante principios y mediados de 1970 después de que la Jimi Hendrix Experience no había logrado reorganizarse para grabar. Miles contribuyo en las grabaciones de estudio de "Room Full of Mirrors", "Izabella", "Ezy Ryder" y la primera versión de "Stepping Stones" (en la que Mitchell toco en la pista final). Estas canciones han sido editadas en varios álbumes póstumos de Hendrix.
Irónicamente, el álbum “Band of Gypsys”, editado en mayo de 1970, fue Top 10 a ambos lados del Atlántico, y se quedó en las listas de EE.UU. durante más de un año. Hendrix murió en septiembre de 1970, lo que movió a vender el álbum aún mejor.

Post-Hendrix
Buddy Miles pasó a producir otros discos bajo su propio nombre. Una canción que había escrito y grabado con Band of Gypsys, “Them Changes” fue grabada por Miles de nuevo con su propia banda y editada poco después de su paso por Hendrix en Mercury Records. El ex integrante de Band Of Gypsys, Billy Cox, ejecuto el bajo en esta grabación. En este tiempo Miles redujo el nombre de actuación “Buddy Miles Express” a su propio nombre, Buddy Miles. La banda incluía al bajista David Hull (que se iría a trabajar con Joe Perry de Aerosmith) y al guitarrista Charlie Karp. La misma banda que edito el álbum en vivo titulado “Live”, incluyo con su firma la canción, “Them Changes”. A finales de 1968, aparecieron en el especial de televisión de los Monkees “33 1/3 Revolutions Per Monkee” que fue presentado en abril de 1969.
Buddy contribuyo también a una serie de canciones de Cheech y Chong. Lo más notable fue “Lost Due To Incompetence (Theme For A Big Green Van)” de la película de 1978 “Up In Smoke”.
Miles vio la canción, “Them Changes”, editada una cuarta vez en una colaboración en vivo que hizo con Carlos Santana. Esta versión en particular es especialmente notable por su intensa energía, líneas de vientos y radiantes guitarras ofrecidos por un muy joven y enérgico Santana. Miles pasó a firmar por el sello de grabación de la era 70's-80's, Casablanca Records, más conocido por su banda de rock KISS. El trabajo de Miles para el sello incluyo el excelente álbum publicado bajo su propio nombre, “Bicentennial Gathering Of The Tribes”. Este incluye en las notas una cita del Presidente John F Kennedy en relación a los indios americanos. La cita que se incluye es “When we neglect the heroic past of the American Indian, we thereby weaken our own heritage” (“Cuando abandonamos el heroico pasado de los Indios Americanos, deterioramos nuestro propio patrimonio”). Esto es interesante en relación a su antigua amistad y colaboración con Jimi Hendrix, que, de hecho, había mucha sangre de Indio Americano en la línea de su familia.
No debería dejar de mencionar que parte de su fama como músico de rock era su apariencia física. Atrapo muchas miradas y sonrisas que mantuvo aprisionadas desde el escenario en los días de la Electric Flag, con su bandera americana o camisas de lentejuelas, su alto cepillado afro, y su enorme sonrisa. Buddy fue una visión para los hippies.

California Raisins
En 1986 Miles realizo la voz para la campaña publicitaria de California Raisins, en particular canto “I Heard It Through the Grapevine”, y también fue primera voz en dos álbumes de California Raisins en la década de los 60 con covers de R&B. En 1986 y 1987, después de pasar el fin de los 70 y principios de los 80 encarcelado por cargos de drogas, se reincorporó a Carlos Santana como vocalista en el álbum “Freedom”.
En 1996, se hallaba con la banda de rock Phish en el Madison Square Garden.
Buddy Miles fue visto en la edición del video oficial The Making of Electric Ladyland en Rhino Records. Este vídeo ofrece entrevistas con la mayoría de los músicos que participaron en la grabación del legendario álbum de Hendrix. En 1999 Miles apareció en el ultimo álbum de Bruce Cameron, “Midnight Daydream” que incluyo otros ex alumnos de Hendrix, Billy Cox y Mitch Mitchell junto con Jack Bruce y otros.
En 2004 Miles se reúne una vez más con Billy Cox de la Band of Gypsys para volver a grabar las canciones del álbum en vivo original de 1970 con los guitarristas Eric Gales, Kenny Olsen, Sheldon Reynolds, Andy Aledort, y Gary Serkin. El álbum, titulado “The Band Of Gypsys Return”, fue editado en 2006. Hasta su muerte, Buddy Miles continuaba su actividad musical y presentándose en shows en que las entradas iban en ayuda para las víctimas de desastres naturales y otras causas nobles.
A Buddy Miles se le acreditan sesiones con George Clinton, Parliament y Funkadelic.
En 2005 Buddy Miles comenzó a colaborar con el virtuoso de la guitarra de Florida, Tony Smotherman, en el que en las dos giras por el Sudeste con una banda blues-rock presentaron varias piezas de las colaboraciones de Miles con Jimi Hendrix. La ultima presentación de Miles y Smotherman fue en el Austin Convention Center en el 2007 Summer NAMM Show con Vernon Reid de Living Color.
Buddy Miles toco sus últimos días en 2007, en la costa oeste de los Estados Unidos con la ayuda de su amigo, Alexander Brett. Él se vio obligado a cancelar el resto de las fechas a causa de problemas cardíacos.

Muerte
Buddy Miles falleció el 26 de febrero de 2008 en su casa en Austin, Texas a la edad de 60 años. La causa de la muerte aún no se ha anunciado, aunque su publicista Duane Lee le dijo al New York Times que Miles había sufrido recientemente de insuficiencia cardiaca congestiva.
Hay una historia de insuficiencia cardiaca congestiva en su familia. Su hermana y madre murieron de la misma enfermedad.
Se sabe que su corazón estaba sin duda luchando, trabajando a sólo el 15%, y su estado de salud se había deteriorado en los últimos meses. Según sus amigos, “le habían quitado su desfibrilador y estaba listo para el cielo”
No hubo funeral; Buddy fue cremado.
El día antes que Buddy muriera, él escuchó a Eric Clapton tocando “Them Changes” en el Madison Square Garden a través de su teléfono celular. “Them Changes”, es ahora parte de la gira de Clapton como un homenaje a Buddy.
El periódico ingles “The Independent” puso a toda página un obituario para Buddy Miles en su edición del Viernes 29 de febrero de 2008. El título fue “Buddy Miles: Flamboyant Hendrix drummer” (“Buddy Miles: El extravagante baterista de Hendrix”), y puede encontrarse en la página 47.
Consultado sobre cómo le gustaría ser recordado por el American Music Magazine en 1995, Miles simplemente dijo: “El mas malo de los malos. Dicen que soy el baterista más malo. Si eso es cierto, gracias mundo”.
Un concierto conmemorativo tendrá lugar el 30 de marzo en el Threadgill en Riverside Drive, South Austin.

¡GRACIAS, BUDDY!

THE ELECTRIC FLAG (USA)

Electric Flag fue formado en 1967 por el guitarrista, Mike Bloomfield después de que había dejado Paul Butterfield Blues Band, con el pretexto de dar a Elvin Bishop guitarrista original, en las palabras de Mike, “un poco de espacio”. Sin duda él se sentía incómodo con la posición de Paul Butterfield como líder y estaba ansioso por llevar su propia banda. Cuando Bloomfield salio, llevo al vocalista Nick Gravenites con él.
El resto del grupo original era un conjunto de profesionales de algunas bandas con más éxito en América. El baterista Buddy Miles había hecho período de sesiones con Otis Redding y Wilson Pickett, el bajista Harvey Brooks había estado con Bob Dylan, Phil Ochs y Judy Collins. El tecladista Barry Goldberg ya había tocado con Steve Miller y Mitch Ryder, Peter Strazza, saxo tenor, también había estado con Miller. Marcus Doubleday, trompeta, había tocado para The Drifters, Jan And Dean, y también para Bobby Vinton. Herbie Rich, un avezado hombre de sesiones, completa el grupo en saxo barítono.
Por su gran aprecio por el blues, soul y R&B, Mike Bloomfield quería crear un grupo de su propia característica, lo que él llamó “la música de América”. Él se inspiró no sólo en la gran banda de blues de BB King, T-Bone Walker, y Guitar Slim (Eddie Jones), sino también en los sonidos del soul contemporáneo de Otis Redding, Steve Cropper, Booker T. & the MGs, y otros artistas de Stax. También se inspiró en el country tradicional, gospel, y formas de blues. Él organizó Electric Flag, inicialmente llamado The American Music Band, en la primavera de 1967, no mucho tiempo después produjo unas sesiones con el armonicista de Chicago James Cotton que incluyó una sección de vientos. Bloomfield decidió que su nueva banda también tendría vientos y desempeñaría una amalgama de esas músicas americanas que amaba. Él y Goldberg reunieron el grupo, bajo la dirección de Albert Grossman, en San Francisco y de inmediato comenzó a trabajar en su primer proyecto, la banda sonora de la película “The Trip”.
La banda hizo su debut en el Monterey Pop Festival, el primero de los años 60. Ahora conocidos como Electric Flag, el grupo fue bien recibido por la audiencia de 55000 personas, aunque su rendimiento no estuvo a la altura de los altos estándares de Bloomfield. Después de Monterrey, The Flag procedió a un tour al noreste y presentarse en la zona de San Francisco, mientras trabajaba en una grabación para Columbia Records. A pesar del éxito de las críticas, The Flag siguieron siendo desconocidos para el público en general, debido en parte a la incapacidad del grupo para completar su grabacion inicial.
A principios de 1968, el baterista Buddy Miles se había convertido en una fuerza dominante en la dirección estética de The Flag. El repertorio del grupo por entonces incluía numerosos covers de soul contemporáneo en los que aparecía Miles y muchas canciones clásicas de blues. La banda produjo menos de una docena de piezas originales, en su mayoría escritos por el vocalista Nick Gravenites, y el concepto de Bloomfield de una original “American music” pareció haberse reducido considerablemente. En mayo de 1968, sólo un mes después de la edición del acertadamente titulado “A Long Time Comin'”, Mike Bloomfield, debido a los conflictos con Buddy Miles, decide dejar el grupo, y aunque se esforzó para ir bajo la dirección de Buddy Miles, The Electric Flag estaba efectivamente terminado. Conflictos de personalidad, diferencias estéticas, y una serie de problemas de drogas aceleró la caída de la banda.
Aunque The Electric Flag estuvieron juntos en su configuración original menos de un año, la banda dio una fuerte impresión en los críticos y músicos, principalmente en la zona de San Francisco, de donde eran. Uno de los primeros grupos de rock en incluir vientos, The Electric Flag precedió a la primera edición de Blood, Sweat and Tears con Al Kooper.
Una reunión tuvo lugar en 1974 con la edición de “The Band Kept Playing”, pero la grabación no fue un éxito comercial o de crítica y la banda se disolvió rápidamente después de varios meses de esporádicos conciertos.
El 28 y 29 de julio de 2007, tuvo lugar un concierto en el Monterey County Fairgrounds en conmemoración del 40º aniversario del Monterey Pop Festival. Uno de los actos fue la reunión de The Electric Flag, presentando a los miembros originales Gravenites, Goldberg, y Hunter, con el apoyo de miembros de Tower of Power y The Blues Project. El conjunto presentó una hora de material de su primer álbum, así como varios covers de blues.

Curiosidades

• Un instrumental de Electric Flag de las sesiones de The Trip, "Flash, Bam, Pow", aparece brevemente en la secuencia del puente de la película Easy Rider (1969), con Peter Fonda, Dennis Hopper y Jack Nicholson.
• The Trip pudo haber sido la primera grabación en que aparecía un nuevo instrumento electrónico llamado sintetizador Moog.
• Miles Davis elogió la composición de Bloomfield “Over-Lovin' You” en un Downbeat Blindfold Test en 1968.
• “A Long Time Comin'” fue una de las primeras grabaciones pop que mezcla las muestras de sonido y voz con la música.

Discografía

• The Trip (1967 soundtrack)
• A Long Time Comin' (1968) (con Bloomfield y Goldberg)
• The Electric Flag: An American Music Band (1968) (dirigido por Buddy Miles, luego que Bloomfield y Goldberg se fueran)
• The Band Kept Playing (1974) (reunión de grabación)
• Old Glory: Best of the Electric Flag (1995) (compilación, incluidos los outtakes y selecciones de la banda en el Monterey Pop Festival)
• Groovin' Is Easy (1983), The Electric Flag: Live (2000), I Found Out (2000), Funk Grooves (2003) (el mismo material en diferentes ediciones, especificamente outtakes de la reunión de grabación de 1974 y actuaciones en vivo de la banda original en 1968)

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL (USA)

Creedence Clearwater Revival, grupo de rock americano, que consiste de John Fogerty (primera voz, primera guitarra, armónica, piano), Tom Fogerty (guitarra rítmica, piano, segunda voz), Stu Cook (bajo, segunda voz), y Doug Clifford (batería, percusión, segunda voz). A la banda se la conoce como CCR o simplemente Creedence.

Pre CCR (1959-1967): El guitarrista John Fogerty, el baterista Doug Clifford, y el pianista Stu Cook (todos nacidos en 1945) se reunieron en la escuela secundaria en El Cerrito, California y comenzaron a tocar instrumentales como The Blue Velvets. El trío también respaldo al cantante Tom Fogerty, hermano mayor de John por cuatro años, en actuaciones en vivo y en el estudio de grabación. En 1964, la banda había firmado en Fantasy Records, un sello independiente de jazz con sede en San Francisco.
Fantasía había editado “Cast Your Fate to the Wind”, un hit nacional por el pianista de jazz Vince Guaraldi. El éxito de la grabación fue tema de un especial de televisión en NET TV, que impulsó al cantautor John Fogerty a ponerse en contacto con el sello. Para la primera grabación de la banda, sin embargo, el co-propietario de Fantasy Max Weiss cambió el nombre del grupo a The Golliwogs. The Golliwogs grabaron siete singles. Ninguno recibió atención nacional, pero una canción, una original de Fogerty llamada “Brown-Eyed Girl”, fue un hit regional, en 1965. Durante este período, la banda sufrió algunos cambios de roles. Stu Cook había pasado del piano al bajo, y Tom Fogerty tomo la guitarra rítmica. John Fogerty también comenzó a escribir bastante material para la banda. En particular, el joven guitarrista se había hecho cargo de la primera voz. Como Tom luego dijo: “Yo podría cantar, pero John tenía sonido”.

Llega el éxito 1967-68: El grupo había sufrido un revés en 1965 cuando John Fogerty y Doug Clifford fueron llamados al servicio militar. Fogerty logró alistarse en la Reserva del Ejército en lugar del Ejército regular mientras que Clifford hizo un breve paso por la Reserva de la Guardia Costera de los Estados Unidos.

Un caso mucho más positivo se produjo en 1967, cuando Saul Zaentz compro Fantasy Records y ofreció a la banda la oportunidad de grabar un álbum, pero sólo si el grupo cambiaba su nombre. Como nunca habían deseado llamarse The Golliwogs, el cuarteto estuvo de acuerdo fácilmente. Zaentz y la banda estuvieron de acuerdo para elaborar diez sugerencias cada uno, pero él aceptó con entusiasmo la primera: Creedence Clearwater Revival. La banda había tomado tres elementos, Creedence Nuball, un amigo de Tom Fogerty; “clear water”, de un comercial de TV para la cerveza Olympia, y “revival”, lo que hablaba del renovado compromiso de los cuatro hacia la banda. (Otros nombres fueron: Muddy Rabbit, Gossamer Wump, and Creedence Nuball and the Ruby).
En 1968, Fogerty y Clifford había sido dado de alta del servicio militar. Los cuatro miembros posteriormente abandonaron sus trabajos y comenzaron un apretado programa de ensayos y tocando en la zona de clubes en tiempo completo.
Como resultado, el álbum debut de 1968 “Creedence Clearwater Revival”, tuvo una nota de respuesta de la emergente prensa de cultura pop, que promociono a CCR como una banda digna de atención. Más importante aún, los programadores de radio de los Estados Unidos notaron que una canción del LP, “Suzie Q”, había recibido una importante salida al aire en el área de la bahía de San Francisco, así como en WLS de Chicago. Los aficionados al blues, sin duda, apreciaron las similitudes entre el duro estilo de CCR y los artistas de R&B del sello Vee-Jay y Chess. “Suzie Q”, remake de la banda para un éxito de 1956 por el cantante de rockabilly Dale Hawkins, pasó a ser el primer single de la banda en romper el Top 40. Sólo perdió el Top Ten por llegar al número 11 y fue el único hit de Creedence no escrito por John Fogerty. Otros singles incluyeron un cover de Screamin 'Jay Hawkins, “I Put a Spell On You” y “Porterville”, escrito por John Fogerty durante su temporada de Reserva.
Después de ocho años de hacer música juntos, el grupo finalmente fue un “éxito de la noche a la mañana”.

La Cumbre (1969-1970): Si bien la realización de una constante cadena de fechas en vivo en todo el país para sacar provecho de su avance los tuvo bastante ocupados, CCR también trabajo duro en su segundo álbum “Bayou Country” en los estudios RCA de Los Angeles. Editado en enero de 1969, y un hit # 7 de platino, el disco fue el primero de una serie de singles y álbumes de éxito, que continuó durante los próximos tres años.
Siete canciones de “Bayou Country” fueron bien afinadas en sus constantes shows en vivo. El álbum mostró una clara evolución en el enfoque, mucho más simple y directo que en los primeros trabajos. “Proud Mary”, respaldado por “Born On the Bayou”, fue Número 2 en la tabla nacional de Billboard. Esta se convertiría en la canción mas versionada del grupo, con unas 100 versiones de otros artistas hasta la fecha, incluyendo un hit en 1971 por Ike y Tina Turner. Bob Dylan lo llamó su single favorito de 1969. El álbum también incluyó “Good Golly Miss Molly” de Little Richard, y el tema de nueve minutos, y clausura de sus espectáculos en vivo, “Keep On Chooglin’”.
Sólo semanas más tarde, en marzo de 1969, “Bad Moon Rising” con “Lodi” en la cara B, fue editado y llegó al # 2 en los charts. El tercer álbum de la banda, “Green River”, se edito en agosto y pasó rápidamente a oro junto con el single “Green River”, con el cual nuevamente se alcanzó el # 2 en las listas de Billboard. El lado B de “Green River”, “Commotion”, un tema en dos etapas acerca de los peligros de la vida en la ciudad, también llegó a los charts, siendo número 30. La historia de la banda de bares de “Lodi” se convirtió en un popular alimento de la entonces emergente radio FM. El énfasis de hacer covers de sus viejos favoritos continuó con “The Night Time Is the Right Time”, que encontró su camino en los espectáculos en vivo de la banda con un coro de multitudes.
Creedence continuo sus giras fuertemente incluyendo actuaciones el Atlanta Pop Festival y en el Woodstock Music and Art Festival. Su presentación, sin embargo, no fue incluida en la película Woodstock o su banda sonora original, porque Fogerty consideró que el rendimiento de la banda no había sido de lo mejor. (Varios temas de CCR se incluyeron en el box set conmemorativo en la década de los 90). La banda también se quejo de que ellos tenían que tener el escenario a las tres de la mañana porque Grateful Dead había actuado pasando su tiempo programado. En el momento que Creedence comenzó a tocar, “el más caluroso disparo en la Tierra en ese momento”, dijo Fogerty, muchos en la audiencia se habían ido a dormir.
No importaba. Creedence estaba ocupado perfeccionando el material para su cuarto álbum, “Willy and the Poor Boys”, publicado en noviembre de 1969. “Down on the Corner”, un buen numero esquina, y la famosa “Fortunate Son” subieron al # 3 y # 14, respectivamente, antes de fin de año. El álbum fue Creedence, en su forma clásica, con temas originales de Fogerty y dos elaborados cover de Leadbelly, “Cotton Fields” y “The Midnight Special”.
El éxito de “Willy…” y de su single fue el toque final de un impresionante año para una notable banda: no menos de cuatro singles hit y tres LPs top de ventas. Prácticamente ningún artista en 1969, o de hecho, en ningún año, podría coincidir con la resistencia, creatividad y éxito comercial de CCR.
Sólo después de Año Nuevo de 1970, CCR lanzo un nuevo 45, “Travellin’ Band”/”Who'll Stop the Rain”. La otra cara se inspiró, como John Fogerty dijo, en la experiencia de la banda en Woodstock. La rápida “Travellin’ Band”, sin embargo, tiene bastante similitud con “Good Golly, Miss Molly” de Little Richard para justificar una demanda de los editores de la canción que finalmente se solucionó fuera de los tribunales. Entre tanto, el single había llegado al número 2. La banda también registró su presentación en vivo en el Coliseum en Oakland, California, el sábado 31 de Enero, que luego sería un famoso álbum en directo y especial de televisión. En febrero, el imparable Creedence apareció en la portada de Rolling Stone, aunque sólo John Fogerty fue entrevistado en el artículo que la acompaña.
En abril de 1970, Creedence se estableció para iniciar su primera gira europea. Para apoyar las próximas fechas en directo, Fogerty llego con “Up Around the Bend”, y “Run Through the Jungle”, acerca del creciente problema de la violencia social en los Estados Unidos. El single, escrito, grabado, y embarcado en sólo unos pocos días, fue # 4 esa primavera, garantizando una entusiasta respuesta de las audiencias europeas en vivo y un gran éxito comercial en los EE.UU. y el resto del mundo.
La banda regresó a los estudios Wally Heider de San Francisco en junio para grabar lo que muchos consideran el mejor álbum de CCR, “Cosmo's Factory”. El título era una broma de sus diversos ensayos acerca de las instalaciones de la fábrica y su ética de trabajo a través de los años. (Durante mucho tiempo el apodo del baterista Doug Clifford fue “Cosmo”, debido a su gran interés en la naturaleza y todas las cosas cósmicas.) El álbum contenía el anterior Top 10 “Travellin’ Band" y “Up Around the Bend”, además del altamente popular “Ramble Tamble”, un ambicioso corte de siete minutos sobre la vida en Estados Unidos con su “policía en la esquina, la basura en la acera, los agentes de la Casa Blanca”.
“Cosmo's” se dio a conocer en Julio de 1970, junto con otro hit # 2, “Lookin 'Out My Back Door”/” Long As I Can See the Light”. Los cortes incluían un incisivo jam de once minutos del hit R&B de 1968 “I Heard It Through the Grapevine” y una versión casi nota por nota en homenaje a Roy Orbison, “Ooby Dooby”. El rango musical de John Fogerty claramente se ha ampliado. Ahora ejecuta una guitarra slide, teclados, saxofones, efectos de cinta, y capas de armonías vocales, y vocalmente se empujaba a sí mismo más que nunca en “Long As I Can See the Light”. El disco, once canciones en total, fue el más vendido y se fue directo al número 1 en los Pop charts y # 11 en la lista Billboard de los álbumes Soul.
En agosto de 1970, Creedence Clearwater Revival había acumulado cinco singles Nº 2 en los EE.UU., más que cualquier acto que encabezara la lista nacional. La banda tenia singles Número Uno en muchos países y había publicado cuatro álbumes Top Ten en 18 meses.

Decadencia y desintegración (1971-1972): Las sesiones de “Cosmo's Factory” habían visto tensiones en el seno del cuarteto como si las incesantes giras y pesados horarios de grabación hubieran pedido su pago. John literalmente había tomado el control del grupo en sus asuntos de negocios y en su producción artística. La situación comenzó a irritar a Tom, Stu y Doug, quienes querían decir más sobre el funcionamiento de la banda. John resistió, sintiendo que un proceso “democrático” pondría en peligro su éxito. Además, una serie de decisiones de negocios, que más tarde dejaría a Fogerty con un lío de problemas jurídicos, que confundieron al resto de la banda.
“Pendulum”, publicado en diciembre de 1970, fue otro top de ventas, dejando un hit Top 10 con “Have You Ever Seen the Rain?”. El álbum marcó un cambio en el enfoque de la banda: pasando el muro de sonido de los tres álbumes anteriores. La producción fue seca y apretada, hasta el punto de sondeo restringido. Aun así, la habilidad de John Fogerty se ha ampliado más allá de la guitarra al incluir órgano Hammond B3 y saxofón. La otra cara del single, “Hey Tonight”, también fue un éxito. Algo experimental es la pista de cierre, "Rude Awakening # 2", un extraño instrumental en el que la banda parece haber arrojado cada sonido y efecto que podían imaginar.
Pero aunque la innovación musical y el éxito aun continúan, no puede resolver las diferencias entre John y Tom Fogerty. En febrero de 1971, con “Pendulum” y singles aun elevados en las listas, Tom Fogerty deja finalmente Creedence Clearwater Revival para seguir una carrera en solitario. Con esto, Fogerty informa a un preocupado Cook y Clifford, que la banda de hecho apruebe un nuevo criterio “democrático”: que cada uno de los miembros ahora escriba y cante su propio material. Fogerty también contribuiría sólo con guitarra rítmica a las canciones de sus compañeros, que es particularmente una dura bofetada en la cara dado sus años de apoyo a la música de Fogerty. Cook y Clifford, que sólo querían más de una voz en las decisiones empresariales, resistieron a este arreglo. Fogerty insistió en que aceptaran sus términos o que se salieran de la banda.
El trío de este modo puso su nueva ética de trabajo a prueba en el estudio, editando el single Top 10 “Sweet Hitch-Hiker”, en julio de 1971, y en la cara B “Door to Door” de Stu Cook. La nueva banda fue de gira en los EE.UU. y Europa ese verano y otoño, con la canción de Cook como parte de la serie en vivo. A pesar de su continuo éxito comercial, las relaciones entre los tres han pasado a ser tensas. Creedence also seemed to have lost its famous drive, failing to put out an album in 1971. Creedence también parece haber perdido su famoso camino, perdiéndose de poner un álbum en 1971.
El álbum final de la banda, “Mardi Gras”, fue editado en abril de 1972. Recibiendo en su mayoría pobres comentarios y sufriendo comparativamente las débiles ventas, con las canciones de Cook y Clifford a menudo citadas como la razón principal. El single hit de 1971 (“Sweet Hitch-Hiker”/”Door to Door”) fue incluido en el álbum, pero el otro con el tema de Fogerty, “Someday Never Comes” y “Tearin' Up the Country” de Clifford en la cara B, no alcanzo el Top 20 en los EE.UU. Esta fue la peor muestra de cualquier single de Creedence desde 1968.
“Mardi Gras llego máximo al #12. Justo después de su edición, Creedence se embarcó en una gira de primavera y verano en los EE.UU., Australia y Japón, que sería finalmente su última. Hecklers informo que le tiraban monedas a la banda en su concierto final, el 22 de mayo de 1972, en Denver, Colorado.
En ese momento, John no sólo fue en directa contradicción con sus compañeros, pero él también quería ver la relación del grupo con Fantasy Records como onerosa, teniendo la sensación de que el propietario del sello, Zaentz, había renegado de su promesa de dar la banda un mejor contrato. Stu Cook, que poseía un título de la empresa, alegó que a causa de un mal juicio de su parte, CCR debía cumplir el peor acuerdo discográfico de cualquier artista de grabación importante de Estados Unidos.
El 16 de octubre de 1972, Fantasy Records y la banda anunciaron oficialmente que Creedence Clearwater Revival no iba más.

SANTANA (Banda) (USA)

Santana es un número flexible de músicos que acompaña a Carlos Santana desde finales del decenio de 1960. Al igual que el propio Santana, la banda es conocida por ayudar a hacer al Latin rock famoso en el resto del mundo. La banda se formó en 1966 en San Francisco. Los primeros miembros fueron Carlos Santana (primera guitarra), Tom Frazier (guitarra), Mike Carabello (percusión), Rod Harper (batería), Gus Rodríguez (bajo) y Gregg Rolie (teclado, voz). En los años siguientes (y décadas) los miembros del grupo han cambiado con frecuencia por una serie de razones, y de 1971 a 1972 hubo una breve separación entre el grupo y Santana. En 1998, el grupo fue alojado en el Rock & Roll Hall of Fame, con Carlos Santana, José Chepito Areas, David Brown, Mike Carabello, Gregg Rolie y Michael Shrieve.

Discografia
01.- Santana (1969)
02.- Abraxas (1970)
03.- Santana III (1971)
04.- Caravanserai (1972)
05.- Welcome (1973)
R01.- Greatest Hits (1974)
06.- Borboletta (1974)
07.- Lotus (1975)
08.- Festival (1976)
09.- Amigos (1976)
10.- Moonflower (1977)
11.- Inner Secrets (1978)
12.- Marathon (1979)
13.- Zebop! (1981)
14.- Shangó (1982)
15.- Beyond Appearances (1985)
16.- Freedom (1987)
R02.- Viva Santana (1988)
17.- Spirits Dancing in the Flesh (1990)
18.- Milagro (1992)
19.- Sacred Fire: Live in South America (1993)
20.- Live At The Fillmore (1998)

Miembros
Voz

• Gregg Rolie - 1969-72
• Leon Thomas – 1973
• Leon Patillo -1973-1975
• Evan Thur - 1974-75
• Greg Walker - 1975-76, 1976-79, 1983-85
• Luther Rabb – 1976
• Joel Badie – 1976
• Alex Ligertwood - 1979-83, 1984-85, 1987, 1989-91, 1992-94
• Buddy Miles - 1986, 1987
• Tony Lindsay - 1991, 1995 -2003
• Vorriece Cooper – 1993
• Curtis Salgado – 1995

Teclados

• Gregg Rolie - 1969-72
• Tom Coster - 1972-78, 84
• Richard Kermode - 1972-73
• Leon Patillo - 1973-1979
• Chris Rhyne - 1978-79
• Alan Pasqua - 1979-80
• Richard Baker - 1980-82
• David Sancious - 1984
• Sterling Crew - 1985
• Lawrence Rogers - 1994-1998

Guitarras

• Tom Frazier - 1967-70
• Neal Schon - 1971-72
• Chris Solberg - 1978-80
• Buddy Miles - 1986
• Jorge Santana - 1993 - 1996
• Alec Evans - 1997 – 1999

Bajo

• Gus Rodriguez - 1970-71
• David Brown - 1967-71, 1974-76
• Tom Rutley - 1971-72
• Doug Rauch - 1972-73
• Byron Miller - 1976
• Pablo Telez - 1976-77
• David Margen - 1977-82
• Keith Jones - 1983-84, 1989
• Alphonso Johnson - 1985-89, 1992
• Benny Rietveld - 1990-92, 1997-
• Myron Dove - 1992-1996
• Chris Schwegler - 2006- present

Batería

• Rod Harper - 1966-67
• Bob Livingston - 1967-69
• Michael Shrieve - 1969-74, 1988
• Ndugu Leon Chancler - 1974-76, 1988
• Gaylord Birch - 1976, 1991
• Graham Lear - 1976-84, 1985-87
• Chester C. Thompson - 1984
• Walfredo Reyes - 1989-91, 1992-93
• Billy Johnson - 1991, 1994, 2000-2001
• Rodney Holmes - 1993-94, 1997-2000
• Tommie Bradford - 1994
• Horacio 'El Negro' Hernandez - 1997
• Ricky Wellman - 1997
• Dennis Chambers - 2004-present

Percusión

• Mike Carabello (Congas) - 1966-67, 1969-71
• Marcus Malone (Congas) -1967-69
• José "Chepito" Areas (Timbales) -1969-77, 1988-89
• Rico Reyes (Timbales) -1971, 1972
• Victor Pantoja (Timbales) -1971
• Coke Escovedo (Timbales) -1971-72
• Pete Escovedo (Timbales) -1971, 1977-79
• James "Mingo" Lewis (Congas) -1972-1972
• Armando Peraza (Congas, Bongos) -1976, 1977-90
• Francisco Aguabella (Congas) - 1969 - 1971
• Orestes Vilato (Timbales) -1980-87

Otros instrumentos

• Jules Broussard - Saxophone 1974-75
• Oran Coltrane - Saxophone-1992
• Russell Tubbs - Flute - 1978

De "BLUE VELVETS" a "THE GOLLIWOGS" (USA)

La banda comenzó en 1959 como un trío instrumental llamado The Blue Velvets. La formación original era John Fogerty (guitarra), Stu Cook (piano), y Doug Clifford (tambores). En 1960, Tom, hermano mayor de John que había estado en bandas locales desde 1958, comenzó a cantar con el grupo. The Blue Velvets lanzaron tres singles en el área de la bahía de San Francisco, durante 1961 y 1962, en Oakland's Orchestra Records. Estas grabaciones tuvieron solamente ventas mínimas, aunque el segundo single de The Blue Velvets fue agregado al Oakland's KEWB top 40 por el famoso discjockey Casey Kasem, que era empleado en la estación. Después de los singles de Orchestra, Tom comenzó a tocar la guitarra rítmica mientras que John continuaba como primera guitarra. Mientras tanto, Stu Cook cambiaba del piano al bajo. A Mediados de 1964, la banda registró dos canciones para Fantasy Records, un sello local con base en San Francisco. La banda fue atraída a Fantasy porque, en 1963, habían lanzado un hit nacional por Vince Guaraldi, “Cast Your Fate To The Wind”. Max Weiss, uno de los co-dueños de Fantasy cambió inicialmente el nombre del grupo a The Visions, pero cuando sus canciones fueron lanzadas como singles, en noviembre de 1964, Weiss los renombró como The Golliwogs, una referencia evidente a una muñeca una vez popular llamada Golliwogg. Siete singles fueron lanzados en el área de la bahía de San Francisco. Mientras que ningunos de éstos fueron hits nacionales, uno, “Brown Eyed Girl,” estuvo cerca en Miami, Florida. John Fogerty tomó el control del grupo, escribiendo todo su material, haciendo la primera voz, y convirtiéndose en un multi-instrumentalista que tocaba el bajo, los teclados, y la armónica, además de la primera guitarra. Antes de 1967, él producía las grabaciones del grupo. En diciembre de 1967, la banda cambió su nombre a Creedence Clearwater Revival. El primer álbum de la banda con este nombre fue lanzado en 1968. En 1975 Fantasy edita "Pre-Creedence", un compilatorio de grabaciones de The Golliwogs. Fantasy también incluyó una extensa colección de grabaciones de The Blue Velvets y de The Golliwogs en su caja CCR de 2001.

IRON BUTTERFLY (USA)

Iron Butterfly es una banda americana de psicodélia y hard rock, mejor conocida por su hit de 1968 “In-A-Gadda-Da-Vida”. Son a veces llamados “la primera banda de metal pesado” como resultado de esta canción y otras del mismo tipo. Su apogeo fue a finales de los 60, pero la banda se ha reencarnado varias veces con varios miembros.
La banda se formó en 1966 en San Diego y lanzaron su álbum debut, “Heavy”, en 1968, después de firmar un acuerdo con ATCO, filial de Atlantic Records. Los miembros originales eran Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry "The Bear" Penrod, Darryl DeLoach y Danny Weis. Todos, excepto Ingle y Bushy, dejaron la banda después de grabar el primer disco a fines de 1967; el resto de los músicos, ante la posibilidad de que la grabación no fuera editada, rápidamente hallaron reemplazos en el bajista Lee Dorman y el guitarrista Erik Brann (aka Erik Braunn) y reanudan las giras.
Penrod y Weis de inmediato pasaron a formar el grupo Rhinoceros.
El 17 minutos “In-A-Gadda-Da-Vida”, título de la pista de su segundo álbum, se convirtió en un hit Top Treinta en los EE.UU. (Doug Ingle dijo que el título es una versión alcoholizada de “In the Garden of Eden” (“En el Jardín del Edén”), aunque esto es probablemente inventado). Los miembros, cuando “In-A-Gadda-Da-Vida” se grabo, eran Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo guitarra), Ron Bushy (batería) y de 17 años de edad Erik Brann, también Braunn (guitarra). El siguiente álbum, “Ball”, subió a la cabeza de las listas, pero hubo más cambios en la formación. En 1970, sin Erik Brann, Iron Butterfly lanzo su cuarto disco, “Metamorphosis”, con dos nuevos miembros, el guitarrista, vocalista y compositor Mike Pinera (quien con Blues Image había abierto en el Butterfly's Vida tour y que más tarde lidero Ramatam y toco con Alice Cooper) y el guitarrista Larry "Rhino" Reinhardt. El álbum sólo entro en los veinte primeros. La banda se separó en 1971. Dorman y Reinhardt más tarde pasaron a ser miembros del supergrupo Captain Beyond.
La banda fue reservada para tocar en Woodstock, pero quedó bloqueada en el aeropuerto. Cuando su manager llamo a los promotores del concierto, explico la increíble situación en que estaban y pidió paciencia. Sin embargo, el manager de Iron Butterfly exigió que se les pusiera en un helicóptero para estar “inmediatamente” en escena. Después el grupo se pagaría el vuelo de regreso al aeropuerto. El gerente dijo de que esto sería tomado en cuenta y que sería llamado de nuevo. En verdad, sus demandas nunca fueron tomadas en cuenta.
La banda se re-formo en 1974 con Ron Bushy y Eric Brann sumandose el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. (Kramer más tarde hizo noticia con su desaparición en 1995 y el descubrimiento de sus huesos y su minivan al fondo de Decker Canyon en 1999). Los discos publicados con esta formación fueron: “Scorching Beauty” en 1975 con Reitzes y “Sun and Steel” a principios de 1976 con DeMartines.
Una muy breve reunión en 1978, enlistando a Jimi Henderson en voz y el ex Van der Graaf Generator / The Koobas / Juicy Lucy / Spooky Tooth bajista Keith Ian Ellis, quien fue encontrado muerto en una habitación del motel durante una gira por Alemania.
La famosa formación de “In-A-Gadda-Da-Vida” se reunió para el concierto y celebración del 40º aniversario de Atlantic Recording Corporation, apareciendo en el escenario junto con los miembros supervivientes de Led Zeppelin, y con Aretha Franklin entre muchos otros actos de la compañía en 1988.
El 3 de octubre de 2002, el guitarrista y vocalista original Darryl DeLoach murió de cáncer de hígado a la edad de 56.
El 31 de julio de 2003, Erik Brann murió de insuficiencia cardiaca a la edad de 52. Él estaba trabajando en un nuevo álbum en solitario en el momento de su muerte. El álbum permanece inédito hasta la fecha, aunque los amigos y la familia de Brann están trabajando para ver su edición.
A partir de 2004, el grupo es, una vez más re-formado, y en gira con los primeros Ron Bushy y Lee Dorman. Iron Butterfly está trabajando actualmente en un nuevo álbum que debería editarse en 2008.

Curiosidades

* Led Zeppelin abrió para Iron Butterfly. Un año más tarde Iron Butterfly abrió para Led Zeppelin. La ironía siguió con la banda Yes, cuyos miembros son amigos del baterista Ron Bushy.

* Cuando Iron Butterfly se reformo en 1968 después de una breve escisión, se rumorea que los músicos que se habían interesado en formar parte como primer guitarrista incluyen a Neil Young, Jeff Beck, y Michael Monarch. Doug Ingle y Ron Bushy finalmente se deciden por Erik Brann.

* Las ventas de "In-A-Gadda-Da-Vida" fueron tan grandes que el Premio de oro carece de sentido, ya que se superó más de 20 veces. El premio Platino fue creado por Ahmet Ertegun, Presidente de Atlantic Records, para hacer frente al nuevo nivel sin precedentes establecidos por este álbum.